HOY 5 DE MAYO DE 1846 nació Federico Chueca, compositor español.

Pío Estanislao Federico Chueca y Robres (Madrid, 5 de mayo de 1846 – † 20 de junio de 1908), compositor español autor de La Gran Vía (1886), junto con Joaquín Valverde. Chueca es uno de los máximos representantes del género chico (zarzuela). Su irregular formación académica en lo musical queda eclipsada por su gran talento, intuición y gracia para la melodía y el ritmo.

Sus restos se encuentran en el cementerio de San Justo de Madrid.

Federico Chueca nació en Madrid, en la Plaza de la Villa (en la torre de los Lujanes), el domingo [[5 de mayo]] de 1846, segundo hijo de una familia acomodada, recibió clases de solfeo desde la enseñanza primaria, que cursó en un selecto colegio, pero su familia le obligó a abandonar la música para estudiar medicina, a pesar que ya en 1855 sorprendía por su extraordinaria facilidad de ejecución al piano, que fue comentada en la prensa de la época.

En 1866 fue detenido como participante en las manifestaciones estudiantiles contra el gobierno de Narváez. Mientras pasaba algunos días en la cárcel de San Francisco en Madrid, compuso varios valses que tituló Lamentos de un preso. Más tarde, Francisco Asenjo Barbieri ayudó a orquestar y dirigir las obras y su gran éxito convenció a Chueca a dejar la medicina y dedicarse a la música.

Trabajó como pianista y dirigió la orquesta del Teatro Variedades. Se le considera un músico autodidacta. De hecho, fue más educado en las ciencias que en la música, sin embargo Chueca tenía un talento innato, una gracia con la melodía y el ritmo, que le llevaron a componer extraordinarias piezas musicales. Trabajó con varios colaboradores como Barbieri, Tomás Bretón, y sobre todo Joaquín Valverde, en muchas de sus obras.

 

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HOY 4 DE MAYO DE 1955 MUERE GEORGE ENESCU, EL COMPOSITOR MÁS IMPORTANTE DE RUMANÍA.

George Enescu (Liveni, 19 de agosto de 1881 — París, 4 de mayo de 1955) fue un compositor, violinista, pedagogo, pianista y director de orquesta rumano, considerado uno de los más importantes músicos de su país. Su carrera estuvo profundamente vinculada a Francia, donde se suele citar su apellido como Enesco.

Desde muy pronta edad empezó a demostrar sus dotes artísticas. Comenzó a tocar el violín a los 4 años, y a los 5 celebró su primer concierto. Empezó a estudiar teniendo como profesor a Eduard Caudella.

Entre los años 1888-1894 estudió en el Conservatorio de Viena, teniendo como profesores a Josef Hellmesberger (hijo) (violín), Robert Fuchs y a Sigismond Bachrich entre muchos otros. Se acomodó muy rápido en la vida musical de Viena, y sus conciertos en los que interpretaba a obras de Johannes Brahms, Pablo Sarasate, Henri Vieuxtemps, Felix Mendelssohn-Bartholdy entusiasmaron a la prensa y al público; entonces sólo tenía 12 años.

Después de la graduación del Conservatorio de Viena con medalla de plata, prosiguió sus estudios en el Conservatorio de París (1895-99) teniendo como profesores a Armand Marsick, André Gedalge, Jules Massenet y Gabriel Fauré. El 6 de febrero de 1898 hizo su debut como compositor en los Conciertos Colonne de París con su obra Opus 1, Poema Rumano. En el mismo año empezó a dirigir conciertos en Bucarest y a dar conciertos de violín. Admirado por la reina Elisabeta de Rumania fue varias veces invitado para tocar sus obras en el castillo Peleş de Sinaia.

De los primeros años del siglo XX datan sus composiciones más conocidas, como las dos Rapsodias Rumanas (1901-02), la Suite nº 1 para la orquesta (1903), su primera Sinfonía de Madurez (1905), Siete Canciones para los versos de Clément Marot (1908). Sus conciertos se dieron en muchos países de Europa y en ocasiones fue acompañado de personas prestigiosas como: Alfredo Casella, Pau Casals, Louis Fournier o Richard Strauss.

Durante la Primera Guerra Mundial permaneció en Bucarest y dirigió la Sinfonía nº 9 de Ludwig van Beethoven (que se tocaba íntegramente por primera vez en Rumanía), composiciones de Hector Berlioz, Claude Debussy, Richard Wagner, y también sus propias composiciones: la Sinfonía nº 2 (1. 913), Suite para orquesta nº 2 (1915) y la ópera Oedipo (1936) En el mismo año tuvo lugar la primera edición del concurso de composición que lleva su nombre: George Enescu.

Después de la guerra, continuó su actividad dividida entre Rumania y Francia. Han quedado para siempre sus interpretaciones del Poema para violín y orquesta de Ernest Chausson y de las sonatas y las partituras para violín de Johann Sebastian Bach. Hizo algunos viajes hasta Estados Unidos, donde dirigió las orquestas de Filadelfia (1923) y Nueva York (1938).

Su actividad pedagógica tuvo también gran importancia. Entre sus alumnos se encuentran violinistas como: Christian Ferras, Ivry Gitlis, Arthur Grumiaux, Ginette Neveu o Yehudi Menuhin. Éste último manifestó un gran cariño y admiración por Enescu, considerándolo como su padre espiritual.

Más información sobre Enescu en otros post de hoy.

En la foto un cartel gigante preside la sala del Ateneo en el lugar más céntrico y bello de Bucarest.

 

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HOY 3 DE MAYO DE 1754 NACE EN VALENCIA MARTÍN Y SOLER, EL MOZART VALENCIANO.

MOZART TRANSCRIBE UN FRAGMENTO DE SU ÓPERA “UNA COSA RARA” EN “DON GIOVANNI”.

FUE COMPOSITOR DE LA CORTE RUSA. ESCRIBIÓ UNA ÓPERA CON TEXTO DE CATALINA LA GRANDE Y VARIAS ÓPERAS MÁS EN RUSO.

Vicente Martín y Soler (Valencia, 3 de mayo de 1754 – San Petersburgo, 30 de enero de 1806) fue un compositor español de reconocido prestigio internacional. Llamado popularmente Martini lo Spagnolo o el Mozart valenciano, fue conocido principalmente como autor de óperas y ballets.

En Viena alcanzó un gran éxito, así que se estableció allí y compuso óperas sobre textos de Lorenzo da Ponte, con quien entabló una gran amistad, como Una cosa rara, ossia Bellezza ed onestà, L’arbore di Diana o Il burbero di buon cuore. En Viena conoció además la obra de Mozart y Salieri.

Su ópera Una cosa rara llegó a reponerse 55 veces en pocos años y fue uno de sus mayores éxitos; de hecho, una melodía del final del primer acto fue usada por Mozart en el segundo acto de su Don Giovanni, en la escena del banquete; precisamente en esta obra figura —al parecer por vez primera— una melodía considerada como la «madre» del vals, tipo de composición que pronto llegaría a ser popular primero en Viena y luego en el resto del mundo. Al año siguiente volvió a cosechar grandes aplausos con su L’arbore di Diana, que entre 1787 y 1792 recibió de 65 a 70 representaciones en el Burgtheater de Viena, de forma que fue una de las óperas en italiano más representadas de la época.

Más adelante, en 1788, aceptó la oferta de Catalina II para ser compositor de la corte en San Petersburgo, donde compuso nuevas óperas, algunas de ellas en ruso y de tema cervantino como El desgraciado héroe Kosmetovich (1789, libreto escrito por Catalina la Grande y de ciertas connotaciones políticas, ya que trataba de ridiculizar a Gustavo III de Suecia).

Tras un breve intento de instalarse en Londres, donde estuvo entre 1793 y 1796 y representó con éxito La capricciosa corretta, siempre con libreto de su amigo Da Ponte. Comoquiera que las siguientes no tuvieron éxito, volvió a San Petersburgo, donde se dedicó en exclusiva a la enseñanza y abandonó la composición; allí murió. Llegando a ser más conocido que Mozart.

En la imagen la película “MArtini il Valenciano” protagonizda por Tony Canto.

 

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HOY 2 DE MAYO DE 1660 NACE EL COMPOSITOR ITALIANO ALESSANDRO SCARLATTI.

PADRE DE OTRO FAMOSO SCARLATTI, SU HIJO DOMENICO.

Palermo, actual Italia, 1660 – Nápoles, 1725) Compositor italiano. Padre de Domenico Scarlatti, su carrera como compositor tuvo como principal referente la ópera, género al que proporcionó más de sesenta títulos (sin contar su participación en numerosas obras de otros autores) que le convirtieron en el principal representante de la escuela operística napolitana, caracterizada por sus argumentos clásicos y su sucesión de recitativos secos y arias da capo.

Siendo todavía muy niño se estableció con su familia en Roma, donde inició los estudios musicales. En esta ciudad se dio a conocer en 1679 con la ópera Gli equivoci nel sembiante. Tras este primer período romano (en el que, desde 1680, sirvió como maestro de capilla de la reina Cristina de Suecia), en 1684 Scarlatti se trasladó a Nápoles, ciudad en la cual se estableció al servicio del virrey, salvo estancias más o menos largas en Florencia y Roma.

Así, en 1702, partió a Florencia con la idea de obtener la protección del gran duque Fernando de Médicis, que no consiguió; aceptó posteriormente el cargo de maestro auxiliar de capilla de Santa María la Mayor en Roma (1707), pero regresó a Nápoles después de que el Papa ordenara el cierre de los teatros por razones morales. Tras ello prácticamente permaneció en Nápoles hasta el fin de sus días, dedicado a la composición y a la enseñanza. Los melodramas que escribió a partir de 1708, la mayoría para el teatro de San Bartolomeo, señalan posiblemente la fase más afortunada de su carrera artística.

Alessandro Scarlatti poseía una inspiración fácil y abundante; además de numerosas cantatas y serenatas destinadas a las fiestas de la corte napolitana y otras solemnidades, compuso multitud de óperas para los escenarios de Roma y Nápoles. Gli equivoci nel sembiante (1679), La Rosaura (1690), Il Pirro e Demetrio (1694), Il Mitridate Eupatore (1707), La principessa fedele (1710), Il Tigrane (1715), Il trionfo dell’onore (1718) y La Griselda (1721) son algunos de sus trabajos para la escena.

Autor prolífico, cultivó también el oratorio y la música instrumental, igualmente con admirables resultados. De entre sus páginas de música sacra son dignas de mención la Misa Clementina I y una Messa (en mi menor) para el cardenal Ottoboni. En la Navidad de 1707 compuso en Roma la bella Messa (en la mayor), con acompañamiento de dos violines y bajo continuo. De 1722 es el salmo Memento Domine David, compuesto al parecer tras una visita al santuario de Loreto.

 

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HOY 1 DE MAYO DE 1882 LA MEJOR ORQUESTA DEL MUNDO, LA FILARMÓNICA DE BERLIN OFRECE SU PRIMER CONCIERTO OFICIAL.

La Orquesta Filarmónica de Berlín (en alemán: Berliner Philharmoniker, abreviado como BPhil), es la mejor orquesta del mundo.

Su actual director titular es Simon Rattle. La Orquesta también es base de varios conjuntos de música de cámara. Tras la destrucción, en la Segunda Guerra Mundial, de su antigua sede, la orquesta reside desde 1963 en la Berliner Philharmonie, diseñada por el arquitecto Hans Scharoun, una de las más importantes salas de conciertos del mundo.

Desde 2002 es una fundación pública, de la que es titular el land de Berlín. Los fondos para la organización son subvencionados por el gobierno de la ciudad de Berlín, con el patrocinio del Deutsche Bank.

La precursora de la Filarmónica de Berlín fue la orquesta creada por el director Johann Ernst Benjamin Bilse (1816-1902). Bilse, antiguo miembro de la orquesta de Johann Strauss (padre) en Viena comenzó a dar conciertos con su orquesta en 1867 en la nueva sala de conciertos de la Leipziger Strasse.

Los Bilsekonzerte se hicieron muy populares en poco tiempo, y, aunque inicialmente se dedicaron a la música de entretenimiento, Bilse introdujo poco a poco las obras del gran repertorio, e incluso llegó a invitar al propio Richard Wagner a actuar con la orquesta como director invitado.

En 1882 los músicos de la orquesta se rebelaron contra Bilse, a raíz de las condiciones de trabajo durante una gira a Varsovia, y decidieron establecerse como una orquesta autónoma, gestionada y administrada por los propios músicos. La nueva orquesta se fundó oficialmente el primero de mayo de 1882 día en el que ofreció su primer concierto.

Los primeros conciertos de la orquesta, bajo la dirección de Ludwig von Brenner mantenían el mismo repertorio anterior, y el nombre de “Antigua Orquesta Bilse”. En el verano de 1882 se hizo cargo de la organización de la orquesta el agente de conciertos Hermann Wolff, que cambió su nombre a “Orquesta Filarmónica de Berlín” (Berliner Philharmonisches Orchester) y encontró una sede fija en una antigua pista de patinaje de la Bernburger Straße, en el barrio de Kreuzberg. Wolff inició una serie de conciertos de abono, dirigidos al público más entendido, en la que destacados directores interpretaban el gran repertorio sinfónico. Entre estos directores invitados destacaron Brahms, Tchaikovsky y Grieg, que dirigieron sus propias obras. Simultáneamente, durante varios días a la semana, los músicos de la orquesta debían actuar en “conciertos populares” para mantener la salud financiera de la entidad.

En 1887 Wolff contrató como director musical a Hans von Bülow. Bülow, que había sido alumno y protegido de Liszt y Wagner, era internacionalmente conocido como pianista y director de orquesta, y desde 1880 había actuado en giras por toda Alemania con la Orquesta de la Corte de Meiningen, considerada entonces como de las mejores del mundo. Bülow impuso en Berlín una disciplina de hierro, con largos e intensos ensayos, con los que consiguió poner al conjunto en la élite de las orquestas alemanas.

Bülow también hizo cambiar las costumbres del público de los conciertos: ahora ya no se permitía comer y beber en el auditorio, tampoco fumar, y había que guardar silencio mientras la orquesta estaba tocando. Se hicieron famosos los discursos de Bülow a la audiencia, en los que no solo se comentaban las obras interpretadas, sino también diversos aspectos de la cultura y la política cotidianas.

En 1888 se construyó una nueva sala de conciertos sobre la antigua pista de patinaje, que fue conocida como la Philharmonie. Bülow dirigió la orquesta hasta 1893. Siguió después una etapa de dos años sin director titular, en la que la mayor parte de los conciertos fueron dirigidos por Richard Strauss.

En 1895, por recomendación de Franz Liszt, el director húngaro Arthur Nikisch fue nombrado Director Principal “de por vida”. Mantuvo el cargo durante 27 años.

Nikisch convirtió a la Filarmónica en una orquesta de fama mundial. Las giras de conciertos les llevaron a Rusia, Suiza, Bélgica, Francia, Italia, España y Portugal. Grandes solistas internacionales, como Pablo de Sarasate, Eugène Ysaye, Fritz Kreisler, Pablo Casals y un joven Jascha Heifetz actuaron con los Filarmónicos. En 1913, la orquesta realizó para la compañía Deutsche Grammophon, y bajo la dirección de Nikisch, la primera grabación discográfica de la historia de una sinfonía completa, la Quinta de Beethoven.

En la imagen la Berlin Philarmonie sala de conciertos de la Filarmónica de Berlin.

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HOY 30 DE ABRIL DE 1879 HA NACIDO EL COMPOSITOR FRANZ LEHAR AUTOR DE LA VIUDA ALEGRE

HOY 30 DE ABRIL DE 1879 HA NACIDO EL COMPOSITOR FRANZ LEHAR AUTOR DE LA VIUDA ALEGRE

Franz Lehár (30 de abril de 1870 – 24 de octubre de 1948, Bad Ischl, Austria) fue un compositor húngaro, principalmente conocido por sus operetas. Aunque Lehár era húngaro, compuso la mayoría de sus obras en Austria.

Lehár nació en Komárno, Imperio austrohúngaro (actualmente Eslovaquia), era el hijo mayor de un director de banda del ejército austrohúngaro. Estudió violín y composición musical en el conservatorio de Praga, pero Antonín Dvořák le aconsejó que se dedicara a componer música. Al graduarse en 1899 se incorporó a la banda de su padre en Viena como asistente de director. En 1902 se convirtió en director en el histórico Teatro de Viena, donde se puso en escena su primera ópera Wiener Frauen en noviembre de ese año.

Es famoso por sus operetas – la más exitosa es La viuda alegre; pero también escribió sonatas, poemas sinfónicos, marchas, y algunos valses (el más popular de ellos es Oro y Plata, compuesto para el baile “Oro y Plata” de la Princesa Metternich, enero de 1902), algunos de los cuales estaban inspirados en sus famosas operetas. Canciones individuales de algunas de sus operetas han logrado fama propia, notablemente “Vilja” de La viuda alegre y “Mi corazón es tuyo” (“Dein ist mein ganzes Herz”) de El país de las sonrisas.

Lehár colaboraba con el tenor de ópera Richard Tauber, quien cantaba en muchas de sus operetas, comenzando en Frasquita (1922), en el cual Lehar nuevamente encuentra un estilo adecuado para la postguerra. Entre 1925 y 1934 escribió seis operetas específicamente para la voz de Tauber.

En 1935 decide crear su propia casa de publicaciones para maximizar el control que ejerce sobre los derechos de autor en la ejecución de sus obras.

Fue elegido ciudadano honorario de Sopron (Hungría) en 1940.

Falleció en 1948 en Bad Ischl, cerca de Salzburgo.

La viuda alegre (título original en alemán, Die Lustige Witwe) es una opereta en tres actos con música de Lehár y libreto en alemán de Victor Léon y Leo Stein basados en la comedia L’attaché d’ambassade (1861) de Henri Meilhac, relativa a una rica viuda, y el intento de sus paisanos de mantener su dinero en el principado encontrándole un buen marido. Fue estrenada en Viena el 30 de diciembre de 1905 y desde entonces es considerada una de las obras más importantes del género.

La opereta ha disfrutado de un éxito internacional extraordinario desde su estreno y sigue representándose y grabándose con frecuencia. En las estadísticas de Operabase aparece la n.º 22 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 1.ª en Hungría y la primera de Lehár, con 149 representaciones.

Se han hecho tres adaptaciones al cine.

En la foto una viuda alegre.

 

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HOY 29 DE ABRIL DE 1936 NACE EL DIRECTOR DE LA FILARMONICA DE ISRAEL ZUBIN MEHTA

¡¡¡¡¡SHALOM ZUBIN YOM HUDELET SAMEAJ¡¡¡¡¡ (FELIZ CUMPLEAÑOS EN HEBREO) 

Zubin Mehta (Bombay, India, 29 de abril de 1936) es un director de orquesta y desde 1981 es el Director Musical Vitalicio de la Filarmónica de Israel.

Zubin Mehta nació en Bombay el 29 de abril de 1936, en el seno de una familia aristócrata parsi, hijo de Mehli y Tehmina Mehta. Su padre fue violinista y director fundador de la Orquesta Sinfónica de Bombay. Zubin fue alumno de la St Mary’s High School, Mazagoan. En un principio tenía pensado estudiar medicina, pero finalmente se convirtió en estudiante de música en Viena a los dieciocho años, teniendo como profesor a Hans Swarowski (en aquella academia por el mismo tiempo estaban también Claudio Abbado y el director y pianista Daniel Barenboim).

En 1958 realizó en Viena su debut como director. Ese mismo año ganó el Concurso Internacional de dirección musical en Liverpool y fue nombrado director asistente de la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool.

Mehta pronto alcanzó el rango de director principal cuando fue nombrado director musical de la Orquesta Sinfónica de Montreal en 1960, puesto que mantuvo hasta 1967. Otros cargos que ocupó fueron el de director musical de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (1962- 1978), de la Orquesta Filarmónica de Nueva York (1978-1991), convirtiéndose en el más duradero en aquel puesto.

La Orquesta Filarmónica de Israel nombró a Mehta en 1969 Consejero musical, en 1977 Director musical, y en 1981 como Director Vitalicio.

Adicionalmente desde 1998 ha sido también Director Musical del Ópera Estatal de Baviera en Múnich. La Orquesta Filarmónica de Múnich lo nombró Director Honorario.

Se presentó en innumerables ocasiones en Buenos Aires, Argentina con conciertos multitudinarios en la avenida 9 de julio, el mítico obelisco, el Luna Park y el Teatro Colón acompañado por la Filarmónica de Nueva York, de Israel, de Munich y del Maggio Musicale Fiorentino.

Hizo giras por su país nativo, India, y su ciudad Bombay en 1984, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, y nuevamente en noviembre y diciembre de 1994 con la Orquesta Filarmónica de Israel, con los solistas Itzhak Perlman y Gil Shaham.

En 1990, dirigió la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino y la Orquesta del Teatro de la Ópera de Roma en el primer concierto de Los Tres Tenores, haciéndolo de nuevo en 1994 en el Dodger Stadium de Los Ángeles.

En junio de 1994, Mehta interpretó el Réquiem de Mozart junto con los miembros de la Orquesta Sinfónica de Sarajevo en las ruinas de la Biblioteca Nacional de Sarajevo, en un concierto a beneficio de las víctimas del conflicto armado y en memoria de las miles de personas asesinadas en las Guerras Yugoslavas.

El 29 de agosto de 1999 dirigió la Sinfonía nº 2 “Resurrección” de Mahler en las cercanías del campo de concentración de Buchenwald, en la ciudad alemana de Weimar. El concierto fue ofrecido por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y la Orquesta Filarmónica de Israel, colocándose una al lado de la otra.

En 1997 y 1998 colaboró con el director de cine chino Zhang Yimou en una producción de la ópera Turandot de Puccini que se realizó en Florencia y luego en Pekín, donde fue puesta en escena, en su escenario actual, en la Ciudad Prohibida usando más de 300 extras y 300 soldados, para ocho representaciones históricas. La realización de esta producción fue narrada en un documental llamado The Turandot Project en el que Mehta realiza la narración.

En 2000 su hermano, Zarin Mehta, fue nombrado director ejecutivo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.

En 2001, el Gobierno de la India lo honró con el Padma Vibhushan, el segundo premio civil más importante del país.

Entre julio y agosto de 2005 Zubin visitó Bombay y también supervisó un programa organizado por la Fundación Musical Mehli Mehta.

El 26 de diciembre de 2005, con ocasión del primer aniversario del Terremoto del Océano Índico de 2004, Zubin Mehta junto a la Orquesta Estatal de Baviera tocaron por primera vez en Madrás en la conocida “Academia Musical de Madrás”. Este concierto especial en memoria del tsunami fue organizado por el consulado alemán de Madrás junto con el Instituto Bhavan/Goethe Max-Mueller. Asistieron cerca de 3.000 personas, entre ellos personalidades eminentes como Amartya Sen (laureada con el Premio Nobel de Economía) y el gobernador de Tamil Nadu, Surjit Singh Barnala. También tocaron en Delhi el 28 de diciembre en el Estadio Indira Gandhi. 2006 fue su último año con la Orquesta Estatal de Baviera.

En septiembre de 2006 el Centro Kennedy anunció al Maestro Mehta como uno de los galardonados del año con el Premio Kennedy, que le fue entregado el 2 de diciembre de 2006.

Mehta está casado con Nancy Kovack, una actriz de cine y televisión. Su vida ha sido documentada en la película de Terry Sanders Portrait of Zubin Mehta y en un libro de Martin Bookspan y Ross Yockey titulado Zubin: The Zubin Mehta Story.

Desde 2005 tiene una estrecha relación con el Palacio de las Artes Reina Sofía en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia.

El 24 de mayo de 2008 fue investido Doctor Honoris causa por la Universitat Politècnica de València, donde se mencionó a Francisco Casanovas Tallardá como su primer profesor de música.

Tuvo el placer de dirigir el Concierto de Año Nuevo de Viena en los años 1990,1995,1998 y 2007.

En la foto Zubin Mehta con la Reina Sofía con la que mantiene una relación de amistad.

 

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HOY 28 DE ABRIL DE 1906 HA NACIDO PAUL SACHER, EL DIRECTOR Y COMPOSITOR QUE SE CASO CON UNA DE LAS MUJERES MAS RICAS DEL MUNDO, Y SE CONVIRTIO EN EL GRAN MECENAS DE LA MUSICA DEL SIGLO XX

EN 1999 ERA EL HOMBRE MAS RICO DE EUROPA

DEJO A SU MUJER MULTIMILLONARIA POR UNA CHICA MUY JOVEN. LA JOVEN MURIO ANTES QUE SU MUJER PERO LE DIO SU UNICO HIJO.

Paul Sacher nació en Basilea (Suiza) el , 28 de abril de 1906 y murió en la misma ciudad el 26 de mayo de 1999. Fue un director de orquesta y organizador musical suizo que, convertido por vía matrimonial en multimillonario, dedicó parte de su inmensa fortuna al mecenazgo de la música clásica del siglo XX.

Nacido en una familia modesta, Paul Sacher realizó en su ciudad natal estudios de musicología y de dirección de orquesta, éstos bajo el magisterio de Felix Weingartner. A los veinte años, fundó en 1926 la Orquesta de Cámara de Basilea (Basler Kammerorchester, BKO) con el propósito doble de dar a conocer al público tanto obras anteriores al período clásico como música contemporánea.

Como muestra de esta intención, el primer concierto de la BKO, celebrado el 21 de enero de 1927, ofreció un programa con obras de Händel, Bach y Mozart, a las que acompañaba el estreno de una suite’ para violonchelo y orquesta de cámara de Rudolf Moser. En junio de 1928 fundó también el Coro de Cámara de Basilea.
En 1933, Sacher fundó, siempre en Basilea, la Schola Cantorum Basiliensis, una institución de investigación, enseñanza e interpretación en el ámbito de la música antigua y anterior al Romanticismo, de la que se convirtió en su primer director.

En este campo, Sacher fue un precursor de los criterios historicistas hoy dominantes en la interpretación de la música de esa época, al propugnar “una nueva simplicidad, una vuelta a los orígenes”, rechazando frontalmente las formas interpretativas consagradas en su tiempo y que acomodaban la música antigua a fórmulas propias del siglo XIX.1

Por esos años, Paul Sacher entabló amistad con el matrimonio formado por Maja Stehlin, escultora y protectora de pintores de vanguardia, y Emmanuel Hoffmann, hijo de uno de los fundadores del consorcio farmacéutico Hoffmann-La Roche.

Tras la muerte de Emmanuel por accidente de tráfico, Maja y Paul contrajeron matrimonio en 1934. A través de este enlace, Sacher accedió al Consejo de Administración de la compañía, donde, tras la Segunda Guerra Mundial, adquiriría una posición mayoritaria, lo que le convirtió en uno de los hombres más ricos del mundo.

Su actividad en el mundo de los negocios no disminuyó la consagración de Sacher a la promoción de la música, sino que le dio los medios económicos para potenciarla.

Una de las principales vías para ello fue el encargo de obras a compositores contemporáneos, tanto suizos -Conrad Beck, Willy Burkhard, Frank Martin- como internacionales. Uno de sus primeros y más importantes encargos fue el que permitió a Béla Bartók componer una de sus obras más famosas, la Música para cuerdas, percusión y celesta, que estrenó la BKO en el concierto de su décimo aniversario, el 21 de enero de 1937, en unión de otras dos obras encargadas a los citados Beck y Burkhard.

En 1941 fundó el Collegium Musicum Zurich, del que sería director artístico durante más de medio siglo, hasta su disolución en 1992. Este conjunto sería el encargado de estrenar las Metamorphosen de Richard Strauss en 1946. En 1954, Sacher fusionó la Schola Cantorum Basiliensis con el Conservatorio y la Escuela de Música de la ciudad, para formar la Academia de Música de Basilea, que dirigiría hasta su dimisión en 1969.

En su labor cono director de orquesta, Sacher participó con sus orquestas en diversos festivales internacionales, como el de Festival de Glyndebourne y el Festival Internacional de Música de Lucerna. Sus grabaciones más apreciadas son la de la Sinfonía concertante de Frank Martin y la de la Segunda Sinfonía de Arthur Honegger.

En 1973 estableció la Fundación Paul Sacher (Paul Sacher Stiftung), con sede en su ciudad natal, que alberga una de las colecciones más importantes del mundo de manuscritos musicales, la mayoría de ellos adquiridos por el propio Sacher o regalados a él por sus autores. Los fondos incluyen colecciones completas de varios de los compositores más importantes del siglo XX, como Witold Lutoslawski, György Ligeti, Pierre Boulez, Luciano Berio, Anton Webern y muchos otros.

Tras una dura puja con instituciones estadounidenses, la Fundación adquirió íntegramente en 1983 el legado de Igor Stravinsky; pero Sacher ya poseía nada menos que el manuscrito orginal de La consagración de la primavera, con anotaciones de Pierre Monteux, que fue el primer director en interpretarla.

En los últimos años de su vida, Maja Sacher sufrió una larga enfermedad que le privó de sus facultades, y Paul Sacher entabló un relación con una mujer más joven.

En una trágica ironía, su nueva pareja murió antes que su esposa (que lo hizo en 1989), pero dejó a Sacher el único hijo que tuvo.

En 1996, año en el que se retiró de la vida pública, Paul Sacher todavía contribuyó a fundar el museo Jean Tinguely, una vez más en Basilea. A su muerte, en 1999, numerosos medios de comunicación le señalaron como el hombre más rico de Europa, con una fortuna calculada en un mínimo de trece mil millones de dólares.

En 1988 había sido distinguido con un doctorado honoris causa por la Universidad de Oxford.

Aunque Paul Sacher nunca hubiera cogido una batuta ni fundado una orquesta o institución musical, merecería un lugar en la historia de la música del siglo XX tan sólo por el impulso que dieron sus numerosos encargos. Un catálogo publicado con ocasión de su septuagésimo aniversario enumeraba 88 obras que vieron la luz a comisión suya, aunque otras fuentes elevan la cifra total a casi trescientas.

Aunque una lista exhaustiva sería imposible, en ella se cuentan obras de Stravinsky (Concierto en re, de 1946, y la cantata A Sermon, a Narrative and a Prayer, de 1961), Bartok ( Música para cuerda, percusión y celesta, el Divertimento para cuerda, de 1939, y el Cuarteto n.º 6), Martinu (Doble Concierto, 1940), Honegger (entre otras muchas, la Segunda Sinfonía y la Cuarta Sinfonía, subtitulada Deliciae Basiliensis), Hindemith (Sinfonía “La Armonía del Mundo”), Richard Strauss (Metamorfosis, 1945), Benjamin Britten (Cantata Académica, 1960) y un largo etcétera de compositores, entre ellos Hans Werner Henze, Lutoslawski, Elliott Carter, Wolfgang Rihm y el español Cristóbal Halffter.

En ocasiones, los compositores favorecidos con el mecenazgo de Sacher le rindieron tributo dedicándole obras cuando ya eran compositores bien establecidos. Así, con motivo de su septuagésimo aniversario, su buen amigo Mstislav Rostropóvich encargó a doce compositores del círculo de Sacher otras tantas obras para violonchelo que tuvieran como tema las seis notas que, en notación germánica, forman el nombre de eS-A-C-H-E-Re (mi bemol, la, do, si, mi y re). Entre los doce compositores estaban, además de muchos de los ya citados, Alberto Ginastera, Luciano Berio, Henri Dutilleux Pierre Boulez o Heinz Holliger.

También hubo composiciones en homenaje a Sacher cuando cumplió ochenta años, en esta ocasión por encargo de la ciudad de Basilea. Entre ellas se cuenta un éxito internacional de la música española contemporánea, Tiento de primer tono y batalla imperial, de Cristóbal Halffter. Aunque se trata de una obra neoclásica, que reorquesta sendas composiciones de la música de teclado antigua española (el “Tiento” es de Antonio de Cabezón, del s. XVI, y la “Batalla” de Juan Bautista de Cabanilles, del s. XVII), Halffter se las ingenia para introducir en el contrapunto del “Tiento” las notas del “tema SACHER” y en la orquestación de la “Batalla” incluye un grupo de tambores típicos del carnaval basiliense.

En la foto Paul Sacher a la izquierda con el genial compositor Witold Lutoslawki a la derecha. En medio la mejor violinista del mundo Anne Sophie Mutter.

 

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HOY 27 DE ABRIL DE 1931 NACE GENIAL VIOLINISTA IGOR OISTRAKH

¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡HAPPY BIRTHDAY DEAR IGOR¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡

Ígor Davídovich Óistraj, en ruso: И́горь Дави́дович О́йстрах, (27 de abril de 1931) violinista ucraniano. Nació en Odesa y es hijo del fallecido violinista David Óistraj.

Ígor asistió a la Escuela Central de Música en Moscú e hizo su debut en 1948. Estudió en el Conservatorio de Moscú de 1949 a 1955, ganando premios y competiciones internacionales en Europa del Este. Después se unió a la facultad del Conservatorio en 1958, convirtiéndose en conferencista en 1965.

Ígor es un gran artista por derecho propio, pero ha debido soportar el peso de la inmensa y merecida fama del padre con el que tocó y grabó durante 27 años. Sin embargo tanto en Europa como en América es tenido por uno de los grandes de la segunda mitad del siglo pasado.

También ha tocado a dúo con la pianista Natalia Zertsálova (su mujer).

Ha participado en la mayoría de los certámenes de violín importantes como jurado, y como David, es profesor de violín del Conservatorio de Bruselas desde 1996 y muy considerado. No ha dejado muchas grabaciones, pero todas ellas son de excelente nivel. Sus versiones del concierto de Aram Jachaturián con Goosens, su notable primer concierto de Bruch con David conduciendo la orquesta, y sobre todo sus extraordinarias grabaciones de obras para dos violines con el padre, son ya antológicas.

Entre sus títulos son destacables: Presidencia de la sección rusa de la Asociación de profesores de cuerda europeos, Fellow of the Royal College of Music, ‘People’s Artist of USSR’, miembro honorífico de la Fundación Ysaÿe y Presidente de la Fundación César Franck.

En la portada del disco el padre y el hijo, los dos geniales violinistas.

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HOY 26 DE ABRIL DE 1934 NACE EL GRAN PIANISTA ESPAÑOL ESTEBAN SANCHEZ

Esteban Sánchez Herrero (Orellana la Vieja, Badajoz, 26 de abril de 1934 — Orellana la Vieja, 3 de febrero de 1997), fue un pianista y compositor español de prestigio y fama internacional.

De niño estudió con su tío-abuelo Joaquín Sánchez Ruiz, sacerdote, que era organista y maestro de capilla de la catedral de Plasencia. Ingresó en el Real Conservatorio de Madrid en 1945 y cursó los estudios de piano con la profesora Julia Parody Abad. Amplió su formación en París en la Escuela Normal de Música con Alfred Cortot y en la Academia de Santa Cecilia de Roma con Carlo Zecchi. Obtuvo los premios nacionales; “fin de carrera”, “extraordinario fin de carrera” y de “música de cámara”, conservatorio nacional, Madrid 1948. Premio Eduardo Aunós 1949, del Círculo de Bellas Artes de Madrid y premio Pedro Masaveu ex-aequo con Joaquín Achucarro 1950.

Dio su primer concierto con la orquesta nacional el 3 de diciembre de 1954 en Madrid, siendo uno de los más importantes pianistas europeos de mediados de los años 50 y de las décadas 1960-1970 y 1980.

Recibió los premios internacionales; Margarita Long en París 1951, Ferruccio Busoni en Bolzano 1953, Alfredo Casella en Nápoles 1954 y el de Virtuosismo de la Academia romana de Santa Cecilia 1956. En 1954 le fue otorgada la medalla Dinu Lipatti de la Fundación Harriet Cohen de Londres.

Sus actuaciones siempre estuvieron marcadas por una entrega total; personal, técnica y musical que emocionaba a todos los públicos. Sin escatimar nunca los amplios recursos que su poderosa técnica podía ofrecer, asumía riesgos de manera natural con resultados magistrales. No exenta la crítica de perplejidad traducida en desconcierto de satisfactorio asombro fue la tónica habitual, siendo las menos en parcial desacuerdo. Como dijo M.C.Hernández en el diario -SEVILLA- 3-3-1971. …..” Toda la polémica que pueda suscitarse alrededor de su nombre es la contradicción que se da siempre con la figura genial, ante la que nadie puede permanecer indiferente.

Su interpretación de la obra Iberia de Albéniz es un referente para muchos pianistas posteriores. Llevó a cabo grabaciones para sellos internacionales. En una ocasión preguntaron a Daniel Barenboim en una entrevista cuando iba a decidirse a grabar Iberia, respondió que tras haber escuchado la versión de Esteban Sánchez poco le quedaba por añadir.

En 1978 comenzó su labor como profesor del Conservatorio de Badajoz y años después en el Conservatorio Municipal de Mérida del que llegó a ser director, abandonando poco a poco su actividad concertística de las grandes salas.

Entre varios galardones y reconocimientos destaca el de Maestro Academico h.c., por la “Accademia Mondiale Degli Artisti e Professionisti di Roma” en 1954 y su ingreso en la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes en 1986.
En 1997 le fue concedida la Medalla de Extremadura a título póstumo.

 

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