HOY 18 DE MAYO DE 1909 HA MUERTO EL COMPOSITOR ESPAÑOL ISAAC ALBENIZ.

El compositor y pianista español Isaac Albéniz, es considerado uno de los principales músicos contemporáneos españoles.

Dio su primer concierto a los cuatro años en el teatro Romea de Barcelona. En 1865 inició sus estudios en esta misma ciudad, y en 1867 se trasladó con su madre a París con el propósito de ingresar en el Conservatorio, lo cual no consiguió. Tras su primera gira de conciertos, en 1869 su familia fijó su residencia en Madrid, donde ingresó en el Conservatorio para cursar estudios de piano.

En 1870 dejó la casa paterna y comenzó a actuar como pianista.

En 1872, embarcó en Cádiz rumbo a América del Sur, donde sobrevivió con grandes privaciones. Después de regresar a España en 1873 y dar conciertos en algunas ciudades, volvió a embarcar para América, donde mostró su talento como concertista en Cuba, Puerto Rico y Estados Unidos. Esta nueva etapa americana no fue mucho más larga que la anterior, ya que después de dar algunos conciertos con escaso éxito, regresó a Europa para viajar a Liverpool, Londres y Leipzig, donde fue alumno de S. Jadassohn y C.H.C. Reinecke.

De regreso a Madrid en 1877, el conde Morphy le concedió una beca para trasladarse a estudiar composición y piano en el Conservatorio Real de Bruselas, donde obtuvo el primer premio en el concurso de 1879. Tras dar una gira de conciertos por Europa central, durante la que tuvo ocasión de conocer a F. Liszt, y otra por América del Sur, recaló en Barcelona, ciudad en la que contrajo matrimonio con Rosina Jordana. Poco después conoció a F. Pedrell, musicólogo y compositor que le atrajo hacia el nacionalismo musical. En 1885 se trasladó a Madrid con su esposa y sus tres hijos.

A partir de los recitales que dio en Londres y París en 1889, sólo llevó a cabo algunos conciertos ocasionales, y su principal actividad pasó a ser la composición.

Entre 1890 y 1893 residió en Londres, donde conoció al banquero F. Money-Coutts, quien le ofreció apoyo financiero a cambio de poner música a sus libretos. De las obras surgidas de la colaboración entre ambos destaca la ópera Pepita Jiménez, basada en la novela del mismo título de J. Valera, que se estrenó en el Liceo de Barcelona en 1986, y al año siguiente en Praga. En 1895 estrenó en el teatro del Liceo de Barcelona la ópera Henry Clifford.

Tras el estreno en Londres en 1893 de su ópera cómica The Magic Opal (La sortija, en versión española), trasladó su residencia a París, donde entabló amistad con C. Debussy, P. Dukas, G. Fauré y V. d’Indy.

Durante los últimos años de su vida estuvo trabajando en su obra cumbre, la suite Iberia.

El gobierno francés le concedió la gran cruz de la Legión de Honor a título póstumo.

Albéniz fue un compositor en el que influyeron la música y los maestros de su tiempo, a los que conoció y admiró, y que a su vez influyó también, sobre todo en las producciones para piano, en los compositores impresionistas.

Entre su producción sobresalen las obras dedicadas al piano que, en su juventud, acusan la influencia de Liszt. Tras el encuentro con Pedrell, el folclore español pasó a impregnar su música y se convirtió en el rasgo distintivo de su obra.

Su obra pianística basta para considerarle uno de los mejores compositores españoles contemporáneos y el creador de una escuela de música para piano de honda raíz nacional.

En la foto Albeniz tocado al piano por el mejor pianista del mundo, el israelita Daniel Barenboim.

 

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HOY 17 DE MAYO DE 1866 HA NACIDO EL COMPOSITOR FRANCES ERIK SATIE.

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 de mayo de 1866 – París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. Precursor delminimalismo, el serialismo y el impresionismo, es considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música.

Además de precursor minimalista, serialista e impresionista, es considerado precursor importante del Teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

Modificó su nombre como Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau y François de Paule.

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HOY 16 DE MAYO DE 1954 MUERE EN MEXICO EL GRAN DIRECTOR ALEMAN CLEMENS KRAUSS.

KRAUSS DIRIGIÓ EN 1942 EL ESTRENO MUNDIAL DE LA ÚLTIMA ÓPERA DE STRAUSS “CAPRICCIO”. LA PROTAGONISTA FUE LA MUJER DE KRAUSS, VIORICA URSULEAC.

KRAUSS FUE TAMBIÉN EL AUTOR DEL LIBRETO.

UNA ÓPERA GENIAL SOBRE SI DEBEN PREVALECER LAS PALABRAS O LA MÚSICA.

Capriccio es una ópera compuesta por Richard Strauss, con libreto en alemán escrito entre el propio compositor y el director Clemens Krauss, subtitulada “Una pieza de conversación para música”. Se estrenó en el Nationaltheater de Múnich el 28 de octubre de 1942. Es la última de las óperas escritas por Strauss (Op. 85), estrenada siete años antes de la muerte de Strauss.

Sin embargo, la génesis del libreto procede de Stefan Zweig en los años treinta y Joseph Gregor desarrolló aún más la idea varios años después. Strauss luego cogió el libreto, pero finalmente reclutó a Krauss como su colaborador en la ópera. La mayor parte del libreto final es de Krauss.

Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 167 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 26.ª en Alemania y la séptima de R. Strauss, con 18 representaciones en el período.

PROTAGONISTAS DEL ESTRENO MUNDIAL.

Estreno, 28 de octubre de 1942. Munich.

La Condesa soprano Viorica Ursuleac

Clairon, una actriz contralto Hildegard Ranczak

Flamand, un músico tenor Horst Taubmann

Olivier, un poeta barítono Hans Hotter

El Conde, hermano de la condesa barítono Walter Höfermeyer

La Roche, director de un teatro bajo Georg Hann

Monsieur Taupe tenor Karl Seydel

Cantantes italianos soprano, tenor Irma Beilke, Franz Klarwein

El Mayordomo bajo Georg Wieter

ARGUMENTO.

R. Strauss subtituló esta ópera como “Una pieza conversacional para música”. Su tema puede resumirse en: ¿Qué es más importante, las palabras o la música?”. La cuestión se dramatiza en la historia de una condesa dividida entre dos pretendientes: Olivier, un poeta, y Flamand, un compositor.

Lugar: Un château cerca de París

Tiempo: 17754

En el château de la condesa Madeleine, se ensaya el sexteto recientemente compuesto por Flamand. Olivier y Flamand debaten el poder relativo de la música y las palabras. El director de teatro La Roche se despierta de su siesta, y les recuerda a los dos que los empresarios son necesarios para hacer que su obra viva. Olivier ha escrito una nueva obra para el cumpleaños de la Condesa al día siguiente, y prosiguen con el ensayo.

La Condesa y su hermano, el Conde, discuten sobre sus respectivos pretendientes. Bromea con su hermana diciendo que su amor por la música es paralela a la atención que Flamand le presta. A su vez, ella le dice a su hermano que su amor por las palabras se debe a su atracción por la actriz Clairon. El Conde se inclina por los affairs breves, pero la Condesa desea un amor duradero. No puede decidirse entre Flamand y Olivier. Clairon llega, y ella y el Conde leen una escena de la obra de Olivier, que culmina en un soneto de amor. Se marchan para ensayar en el teatro.

Olivier le dice a la Condesa que el soneto está dirigido a ella. Flamand entonces pone música al soneto y lo canta, lo que abruma a Olivier. Piden a Olivier que haga cortes en su obra. Flamand declara su amor por la Condesa. Ella le pide encontrarse en la biblioteca a la mañana siguiente a las 11, cuando ella le dará su decisión. Se sirve refrescos mientras que bailarines y cantantes entretienen a los invitados. La Roche describe su planeado entretenimiento para cumpleaños en dos partes, el “Nacimiento de Palas Atenea” seguida por “La caída de Cartago”. Los invitados se burlan de él, pero La Roche defiende su fe en el teatro. Después él desafía a Flamand y Olivier para que creen nuevas obras maestras, la Condesa les encarga colaborar a una ópera. La Condesa propone que la ópera represente los acontecimientos de esa tarde.

El Conde y Clairon se marchan a París con la compañía teatral. En la escena final, a la luz de la Luna, la Condesa aprende que tanto Olivier como Flamand la encontrarán en la biblioteca para saber el final de la ópera. Aún indecisa, ella canta la inseparabilidad de palabras y música, y consulta a su imagen en el espejo para un decisión. El mayordomo anuncia que “La cena está servida” y así acaba la ópera en su parte cantada. Sigue una música orquestal maravillosa. La música ha triunfado sobre la palabra.

Una obra perfecta llena de emoción profunda e insólita belleza.

En la imagen la grabación del estreno mundial de Capriccio el 28 de Octubre de 1942 en Munich.

Foto: HOY 16 DE MAYO DE 1954 MUERE EN MEXICO EL GRAN DIRECTOR ALEMAN CLEMENS KRAUSS.

KRAUSS DIRIGIÓ EN 1942 EL ESTRENO MUNDIAL DE LA ÚLTIMA ÓPERA  DE STRAUSS "CAPRICCIO". LA PROTAGONISTA FUE LA MUJER DE KRAUSS, VIORICA URSULEAC.

KRAUSS FUE TAMBIÉN EL AUTOR DEL LIBRETO.

UNA ÓPERA GENIAL SOBRE SI DEBEN PREVALECER LAS PALABRAS O LA MÚSICA.

Capriccio es una ópera compuesta por Richard Strauss, con libreto en alemán escrito entre el propio compositor y el director Clemens Krauss, subtitulada "Una pieza de conversación para música". Se estrenó en el Nationaltheater de Múnich el 28 de octubre de 1942. Es la última de las óperas escritas por Strauss (Op. 85), estrenada siete años antes de la muerte de Strauss.

Sin embargo, la génesis del libreto procede de Stefan Zweig en los años treinta y Joseph Gregor desarrolló aún más la idea varios años después. Strauss luego cogió el libreto, pero finalmente reclutó a Krauss como su colaborador en la ópera. La mayor parte del libreto final es de Krauss.

Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 167 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 26.ª en Alemania y la séptima de R. Strauss, con 18 representaciones en el período.

PROTAGONISTAS DEL ESTRENO MUNDIAL.

Estreno, 28 de octubre de 1942. Munich.

La Condesa soprano Viorica Ursuleac

Clairon, una actriz contralto Hildegard Ranczak

Flamand, un músico tenor Horst Taubmann

Olivier, un poeta barítono Hans Hotter

El Conde, hermano de la condesa barítono Walter Höfermeyer

La Roche, director de un teatro bajo Georg Hann

Monsieur Taupe tenor Karl Seydel

Cantantes italianos soprano, tenor Irma Beilke, Franz Klarwein

El Mayordomo bajo Georg Wieter

ARGUMENTO.

R. Strauss subtituló esta ópera como "Una pieza conversacional para música". Su tema puede resumirse en: ¿Qué es más importante, las palabras o la música?". La cuestión se dramatiza en la historia de una condesa dividida entre dos pretendientes: Olivier, un poeta, y Flamand, un compositor.

Lugar: Un château cerca de París

Tiempo: 17754

En el château de la condesa Madeleine, se ensaya el sexteto recientemente compuesto por Flamand. Olivier y Flamand debaten el poder relativo de la música y las palabras. El director de teatro La Roche se despierta de su siesta, y les recuerda a los dos que los empresarios son necesarios para hacer que su obra viva. Olivier ha escrito una nueva obra para el cumpleaños de la Condesa al día siguiente, y prosiguen con el ensayo.

La Condesa y su hermano, el Conde, discuten sobre sus respectivos pretendientes. Bromea con su hermana diciendo que su amor por la música es paralela a la atención que Flamand le presta. A su vez, ella le dice a su hermano que su amor por las palabras se debe a su atracción por la actriz Clairon. El Conde se inclina por los affairs breves, pero la Condesa desea un amor duradero. No puede decidirse entre Flamand y Olivier. Clairon llega, y ella y el Conde leen una escena de la obra de Olivier, que culmina en un soneto de amor. Se marchan para ensayar en el teatro.

Olivier le dice a la Condesa que el soneto está dirigido a ella. Flamand entonces pone música al soneto y lo canta, lo que abruma a Olivier. Piden a Olivier que haga cortes en su obra. Flamand declara su amor por la Condesa. Ella le pide encontrarse en la biblioteca a la mañana siguiente a las 11, cuando ella le dará su decisión. Se sirve refrescos mientras que bailarines y cantantes entretienen a los invitados. La Roche describe su planeado entretenimiento para cumpleaños en dos partes, el "Nacimiento de Palas Atenea" seguida por "La caída de Cartago". Los invitados se burlan de él, pero La Roche defiende su fe en el teatro. Después él desafía a Flamand y Olivier para que creen nuevas obras maestras, la Condesa les encarga colaborar a una ópera. La Condesa propone que la ópera represente los acontecimientos de esa tarde.

El Conde y Clairon se marchan a París con la compañía teatral. En la escena final, a la luz de la Luna, la Condesa aprende que tanto Olivier como Flamand la encontrarán en la biblioteca para saber el final de la ópera. Aún indecisa, ella canta la inseparabilidad de palabras y música, y consulta a su imagen en el espejo para un decisión. El mayordomo anuncia que "La cena está servida" y así acaba la ópera en su parte cantada. Sigue una música orquestal maravillosa. La música ha triunfado sobre la palabra.

Una obra perfecta llena de emoción profunda e insólita belleza.

En la imagen la grabación del estreno mundial de Capriccio el 28 de Octubre de 1942 en Munich.

Más información sobre Krauss en otros post de hoy

HOY 15 DE MAYO DE 1567 HA NACIDO MONTEVERDI EL PRIMERO DE LOS GRANDES COMPOSITORES DE LA HISTORIA.

MONTEVERDI PONE EN MÚSICA LA HISTORIA DE ORFEO Y EURYDICE.

EURYDICE MUERE. ORFEO INTENSAMENTE ENAMORADO DECIDE RESCATARLA DEL INFIERNO. ENTRA EN EL INFIERNO GRACIAS A LA BELLEZA DE SU MÚSICA. ES AUTORIZADO A LLEVARSE A SU AMADA CON LA CONDICIÓN DE NO MIRAR ATRAS EN EL CAMINO DE SALIDA. PERO ORFEO MIRA HACIA ATRAS Y EURYDICE VUELVE AL INFIERNO.

La fábula de Orfeo (título original en italiano, La favola d’Orfeo) es una ópera en un prólogo y cinco actos con música de Claudio Monteverdi y libreto en italiano de Alessandro Striggio el Joven. Se trata de una de las primeras obras que se cataloga como ópera. Fue compuesta para los carnavales en Mantua. Fue estrenada en la Accademia degl’Invaghiti en Mantua en febrero de 1607 y el 24 de febrero del mismo año en el Teatro de la corte de Mantua. Fue publicada en Venecia en 1609. En el siglo XX fue reestrenada en una versión en concierto en París en 1904.

En Florencia en el año 1600 se celebra la boda entre María de Médicis y Enrique IV de Francia. A esta boda asisten Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua y pariente de la esposa, y su corte. Allí asistieron a la representación de Euridice de Jacopo Peri.

Supuestamente, entre los asistentes se encontraba Claudio Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la obra de Peri, Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.

‘La fábula de Orfeo o, abreviadamente, el Orfeo, destaca por su poder dramático y su animada orquestación. Monteverdi utilizó una plétora de instrumentos, poco usual para la época: violas, violines, flautas, oboes, cornos, trompetas, trombones, claves, arpas, dos órganos pequeños. El Orfeo es uno de los primeros ejemplos de la asignación específica de ciertos instrumentos a ciertas partes; a pesar de que los compositores de la Escuela de Venecia venían ejecutando esta práctica por casi dos décadas, con diferentes niveles de precisión, la instrumentación de esta obra es particularmente explícita. Monteverdi junta la monodia acompañada con coros, conjuntos vocales renacentistas y con una orquesta de cuarenta instrumentos. Por tanto, esta obra, comparada con las de Peri y Caccini, que habían sido los pioneros de la Camerata fiorentina, es mucho más destacable tanto por su variedad como por su continuidad y por su interés musical. Para Peri y para Caccini, la ópera era, ante todo, literatura, por lo que la instrumentación no era tan importante.

Las óperas de Monteverdi se han catalogado como barrocas tempranas, o pre-barrocas. En aquel momento, la música del norte de Italia transitaba entre el estilo renacentista tardío y el barroco temprano, y los compositores vanguardistas como Monteverdi, combinaban las tendencias estilísticas que se utilizaban en los círculos musicales más importantes como Florencia, Venecia o Ferrara.

Puede considerarse como una obra maestra de la historia de la música, porque consolida la ópera, que se desarrollaría mucho más durante el Barroco. Actualmente es una de las óperas más antiguas del repertorio, aunque no está entre las más representadas; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 72 de las cien óperas más representadas en el período 2005-2010, siendo la 29.ª en Italia y la primera de Monteverdi, con 55 representaciones.

Entre los presentes en el estreno de Eurídice de Jacopo Peri en octubre del año 1600 estaba un joven abogado y diplomático de carrera de la corte de los Gonzaga, Alessandro Striggio, hijo del bien conocido compositor del mismo nombre. No está claro en qué momento Striggio comenzó su libreto de Orfeo, pero el trabajo ya lo había emprendido evidentemente en enero de 1607. En una carta escrita el 5 de enero, Francesco Gonzago le pide a su hermano, entonces destinado en la corte florentina, que obtuviera los servicios de un castrato de alta calidad de entre el personal del Gran Duque, para una “obra con música” que se preparaba para el Carnaval de Mantua.

Las principales fuentes de Striggio para su libreto fueron los Libros 18 y 15 de la Metamorfosis de Ovidio y el Libro Cuarto de las Geórgicas de Virgilio. Esto le proporcionó el material básico, pero no la estructura para un drama escénico; los acontecimientos de los Actos I y II están cubiertos por sólo 13 versos en las Metamorfosis. Para ayudar a la creación de la forma dramática, Striggio bebió en otras fuentes—la obra de Poliziano del año 1480, la de Guarini Il pastor fido, y el libreto de Ottavio Rinuccini para la obra de Peri Eurídice.

El libreto publicado en Mantua en 1607 para coincidir con el estreno incorpora el ambiguo final de Striggio. Sin embargo, la partitura de Monteverdi publicada en Venecia en 1609 por Ricciardo Amadino muestra una resolución totalmente diferente, con Orfeo transportado a los cielos a través de la intervención de Apolo.

Según Ringer, el final original de Striggio fue utilizado casi con seguridad en el estreno de la ópera, pero no hay duda de que Monteverdi creía que el final revisado era estéticamente correcto.

Cuando Monteverdi escribió la música para Orfeo tenía ya antecedentes sólidos en música teatral. Había estado empleado en la corte de los Gonzaga durante 16 años, gran parte de ellos dedicados a interpretar o arreglar música escénica.

Los elementos a partir de los cuales Monteverdi construyó la partitura de su primera ópera – el aria, la canción estrófica, recitativo, coros, danzas, interludios musicales dramáticos- no los creó él, como ha señalado el director Nikolaus Harnoncourt, pero “él mezcló todo ese conjunto de posibilidades nuevas y viejas en una unidad que era verdaderamente nueva”.

Monteverdi manifiesta las exigencias orquestales al comienzo de su partitura publicada, pero de acuerdo con la práctica de la época no especifica su uso exacto. En aquella época era habitual permitir a cada intérprete de la obra libertad de tomar decisiones locales, basándose en las dotaciones orquestales de las que disponían. Estas podían ser muy diferentes de un lugar a otro. Más aún, como señala Harnoncourt, los instrumentistas podían ser todos compositores y se esperaba de ellos que colaboraran creativamente en cada representación, más que limitarse a interpretar un texto prefijado.

Otra práctica de la época era permitir a los cantantes embellecer sus arias. De algunas arias Monteverdi escribió una versión sencilla y otra ornamentada, como es el caso de “Possente spirito” de Orfeo, pero según Harnoncourt “es obvio que donde él no escribió adornos no quería que se cantase ninguno”.

Cada acto de la ópera trata de un elemento individual de la historia, y cada uno acaba con un coro. A pesar de la estructura en cinco actos, condos conjuntos de cambios de escena, es probable que Orfeo se adecuara a la práctica estándar de los entretenimientos cortesanos de la época y se interpretara como una entidad continua, sin intervalos o bajadas de telón entre los actos. Era costumbre en aquella que los cambios de escena se produjeran a la vista del público, estos cambios se reflejaban musicalmente a través de cambios en la instrumentación, la clave y el estilo.

Argumento

Tras una tocata instrumental de metales en RE Mayor con carácter estruendoso, aparece la Música, haciendo alabanzas de los presentes e instándolos a guardar silencio, mientras se narra la historia de Orfeo, hijo del dios Apolo y la musa Caliope.

Acto primero.

En un prado en medio del campo, ninfas y pastores celebran con alegría el día esplendoroso en que se casarán el mítico cantor de la Tracia, Orfeo, y su amada, la ninfa Eurídice; cantan uno de los pasajes corales más representativos de la época, «Lasciate i monti».

Orfeo relata cómo se enamoró de ella y ésta responde con el mismo ardor. Luego va con sus compañeras a recoger guirnaldas de flores. Pastores y ninfas continúan con sus danzas y alegres cantos, mientras reinan el regocijo y la felicidad.

Acto segundo.

Rodeado por los pastores, Orfeo entona un canto a la naturaleza y cuenta cómo corría por los sombríos bosques antes de haberse enamorado.

La alegría se interrumpe cuando llega la Mensajera, quién le anuncia a Orfeo que una serpiente mordió a su amada Euridice causándole la muerte.

La propia Mensajera lamenta tener que dar semejante noticia. Orfeo decide descender a los infiernos a rescatar a Eurídice (al descenso voluntario al infierno se lo denomina catábasis), entonando un desesperado lamento.

Acto tercero.

Orfeo llega a la laguna Estigia acompañado por la Esperanza, pero ésta le anuncia que no puede llevarlo más allá porque vio grabado en la piedra el texto que cita a la Divina Comedia de Dante: “Abandonad toda esperanza los que entráis”.

Caronte se niega a darle paso en su barca, pero Orfeo logra dormir al vigilante con su arpa, y robándole la barca cruza la laguna entrando directamente en el infierno. Mientras, un coro de espíritus infernales celebra al Hombre, esa criatura que no intenta ninguna empresa en vano, y contra el cual la Naturaleza no sabe armarse.

Acto cuarto.

Orfeo ha llegado a los infiernos, y con su canto logra emocionar a Proserpina.

Ésta le ruega a Plutón que le permita a Orfeo recuperar a su amada Eurídice, haciendo referencia a su antiguo amor, por el cuál él la raptara y la llevó a los infiernos.

El dios reconoce también haberse conmovido con el canto de Orfeo, y finalmente acepta y permite que Eurídice le siga, con la condición de que Orfeo no vuelva la mirada a su amada hasta que hayan salido del infierno.

Orfeo parte de los infiernos seguido por Eurídice. Cuando llegan a la superficie Orfeo mira atrás para ver si Eurídice realmente le sigue, pero al hacerlo a Eurídice todavía le queda un pie dentro del inframundo y se empieza a desvanecer y un espíritu, ministro de Plutón, le amonesta:”Roto has la ley, e indigno eres de gracia”. Orfeo intenta seguirla, pero es expulsado del infierno. El coro cierra el acto con esta observación: “Venció al infierno Orfeo y fue vencido por sus propias pasiones”.

Acto quinto.

Orfeo regresa al campo de Tracia lamentando su soledad, vagando sin rumbo y llorando su amor perdido.

El eco repite su lamento trágico y Apolo, dolido por el sufrimiento que aqueja a su hijo, desciende del Olimpo y le dice que lo acompañe al cielo, donde encontrará la bella semblanza de Euridice en el sol y en las estrellas.

Padre e hijo cantan un alegre dúo, mientras ascienden al cielo donde alcanzaran la alegría eterna.

En la imagen Orfeo y Eurydice en la maravillosa producción de J.P.Ponelle.

 

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HOY 14 DE MAYO DE 1885 NACE UNO DE LOS MEJORES DIRECTORES DE ORQUESTA DE LA HISTORIA, EL JUDÍO ALEMÁN OTTO KLEMPERER.

FUE ALUMNO DE MAHLER

Otto Klemperer (Breslau, llamada actualmente Wrocław, Polonia, 14 de mayo de 1885 – Zúrich, 6 de julio de 1973) fue un director de orquesta alemán.

Fue discípulo de Gustav Mahler en Viena y tomó lecciones de composición de Arnold Schönberg en Berlín y, durante la Segunda Guerra Mundial, en los Estados Unidos. Era primo del escritor y filólogo Victor Klemperer.

Entre 1910 y 1927 fue director en varios teatros de ópera de Alemania (Hamburgo, Estrasburgo, Colonia, Wiesbaden). En 1927 fue nombrado director titular de la Ópera Kroll de Berlín, puesto en el que adquirió reputación como intérprete de la música de vanguardia de su tiempo, en especial de las obras de su maestro Schönberg, Paul Hindemith, Kurt Weill, Franz Schreker o Ernst Krenek. En aquella época coincidió en Berlín con directores de la talla de Erich Kleiber y Bruno Walter, que dirigían los otros dos teatros de ópera de la ciudad, y Wilhelm Furtwängler, director de la Filarmónica. Permaneció en el puesto hasta 1931. En 1933 tuvo que huir de Alemania por el acoso del régimen nazi que le reprochaba su origen judío, aunque estuviera bautizado, refugiándose en los Estados Unidos.

En América alcanzó el puesto de director titular en la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles, donde se hizo conocido por sus interpretaciones del repertorio alemán (particularmente Beethoven y Brahms). En 1939, tras sufrir una operación por un tumor cerebral, sufrió diversos trastornos depresivos, y tuvo que dejar la titularidad de la orquesta tras diversos incidentes, que provocaron que ninguna otra orquesta norteamericana le ofreciera un puesto estable.

Tras la guerra, el mundo musical alemán era aprensivo a concederle la dirección de sus grandes orquestas, por lo que continuó su carrera como director en la ópera de Budapest (1947 – 1950), y después se convirtió en director itinerante, dirigiendo en Dinamarca, Canadá. Holanda y, en Alemania, particularmente en la Radio de Colonia. Después, en Londres, Walter Legge le ofreció un contrato discográfico con EMI. A finales de los años 50, tras la muerte de sus contemporáneos Furtwängler, Toscanini, Erich Kleiber, Mengelberg y Bruno Walter, llegó a convertirse en uno de los directores más prestigiosos y respetados del mundo. En esta época, Walter Legge hace que el nombre de Klemperer sea reconocido mundialmente gracias a sus grabaciones discográficas con la Orquesta Philharmonia de Londres, de la que pasó a ser director titular en 1959, tras la marcha de Herbert von Karajan.

A finales de los años 60, una serie de conciertos triunfales en Viena y Múnich señalan su aparente reconciliación con el mundo cultural germánico, del que siempre fue un gran defensor. En Londres, Klemperer dirigió a menudo en la Royal Opera House, donde en ocasiones se hizo cargo también de la dirección de escena. Se recuerdan sus interpretaciones de Lohengrin, Fidelio, El holandés errante y La flauta mágica.

Marcado por la amarga experiencia del exilio, Otto Klemperer abandona a partir de 1945 el repertorio moderno (a excepción de la música de Gustav Mahler) y se consagra al gran repertorio austrogermánico del Clasicismo y Romanticismo.

Es difícil encontrar en su discografía oficial interpretaciones de obras escritas después de 1918. Los tempi de sus versiones muestran a veces una lentitud que quizá pueda sorprender si se piensa que en su juventud Klemperer había sido un director fogoso y amante de la vanguardia. Esta evolución de estilo y de repertorio es similar a la que más tarde experimentarán Sergiu Celibidache y Günter Wand.

Klemperer grabó para EMI y para Hungaroton interpretaciones de una extraordinaria intensidad y poder: Beethoven, Bruckner, Bach, Mahler, Mozart, Haydn, Brahms y Wagner son algunos de sus compositores favoritos. Está considerado unánimemente como uno de los mejores directores de la historia y sus registros de Das Lied von der Erde de Mahler, Fidelio de Beethoven, El holandés errante de Wagner y Un Réquiem alemán (Brahms) referenciales.

Personalidad.
Era conocido por su fuerte carácter y también por su humor ácido. Pese a haber sufrido varios infartos, continuó dirigiendo hasta una edad muy avanzada, con la mitad del rostro paralizado.

Klemperer compositor.
Escribió sinfonías de inspiración malheriana, ninguna de las cuales forma parte hoy en día del repertorio habitual de las orquestas. Klemperer grabó su propia Sinfonía nº 2.

En la imagen Klemperer y Alma Mahler.10338752_466041723525996_1294280588152543878_n

HOY 13 DE MAYO DE 1845 NACE EL COMPOSITOR FRANCÉS GABRIEL FAURE.

Gabriel Fauré, cuyo nombre completo era Gabriel Urbain Fauré, (Pamiers, Francia, 13 de mayo de 1845 – París, 4 de noviembre de 1924) fue un compositor, pedagogo, organista y pianista francés.

Fauré es considerado el compositor francés más destacado de su generación. Su estilo musical influyó a muchos compositores del siglo XX. Entre sus obras más conocidas destacan la Pavana, el Réquiem, los nocturnos para piano y las canciones «Après un rêve» y «Clair de lune». Nació en una familia culta pero sin particular afición musical, y demostró su talento para la composición cuando apenas era un niño. Fue enviado a un colegio de música en París, donde se formó para ser organista de iglesia y director de coro. Entre sus mentores se encontraba Camille Saint-Saëns, quien se convertiría en su amigo de por vida. Durante los primeros años, Fauré se ganaba la vida de forma modesta como organista y maestro, lo que le dejaba poco tiempo para componer. Cuando alcanzó el éxito, ocupando los importantes cargos de organista de la iglesia de la Madeleine y director del Conservatorio de París, apenas tenía tiempo para componer, retirándose al campo durante las vacaciones de verano para dedicarse a la dicha tarea.

En sus últimos años, Fauré fue reconocido en Francia como el compositor francés más importante de su época. Recibió un homenaje musical nacional sin precedentes en París en 1922 encabezado por el entonces presidente Alexandre Millerand. Fauré tenía varios admiradores en Inglaterra pero su música, si bien era conocida en otros países, tardó décadas en ser ampliamente aceptada. Su legado ha sido descrito como el enlace entre el final del Romanticismo y el modernismo del segundo cuarto del siglo XX.

Cuando nació, Frédéric Chopin aún componía, y en el momento de su muerte, se escuchaba la música atonal de la Segunda Escuela de Viena. El Grove Dictionary of Music and Musicians, que lo describe como el compositor más avanzado de su generación en Francia, indica que sus innovaciones armónicas y melódicas influyeron en la enseñanza de la armonía musical a las generaciones posteriores. Contrastando con el encanto de sus primeras obras, sus últimas composiciones, escritas cuando su sordera era cada vez mayor, son imprecisas e introvertidas en cuanto a carácter y en otras ocasiones desordenadas y sin pasión.

 

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HOY 9 DE MAYO DE 1990 MUERE EL COMPOSITOR ITALIANO LUIGI NONO.

ES EL MEJOR COMPOSITOR ITALIANO DE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX.

Luigi Nono (Venecia, 29 de enero de 1924 — Venecia, 9 de mayo de 1990) fue un compositor italiano que se especializo en la música contemporánea. Sus obras más conocidas son Il canto sospeso (con lectura de cartas de partisanos condenados a muerte en la lucha contra el fascismo), Epitafio para Federico García Lorca (para voz recitante, cantantes y orquesta) e Incontri (Encuentros), para 24 instrumentos.

Sus padres, Mario Nono y Maria Manetti, le dieron el nombre de su abuelo paterno, el pintor Luigi Nono, importante representante de la escuela veneciana del siglo XIX.

Nono conoció a Gian Francesco Malipiero en 1941 y comenzó a seguir sus cursos de composición en el Conservatorio de Venecia. En dicho conservatorio se familiarizó con el serialismo dodecafónico, especialmente de la manera como fue elaborado por Anton Webern.

Al tiempo, comenzó estudios de Derecho en la universidad de Padua. En 1946, acabados sus estudios, Nono conoció en Roma a Luigi Dallapiccola y Bruno Maderna. Este último se hizo rápidamente su amigo. En 1948 asistió, con Maderna, a los cursos de dirección de orquesta impartidos en Venecia por Hermann Scherchen.

En 1952, Nono se unió al Partido Comunista Italiano (PCI). Su compromiso comunista está marcado por el comunismo revolucionario. Durante casi toda su vida, su obra se caracterizó por tener una fuerte carga política, en particular, la lucha contra el fascismo; en su último período, sin embargo, se puede notar un cambio de esa tendencia por una obsesión con el silencio como elemento estético/político y una frase en particular: «No hay caminos, hay que caminar», leída por el compositor en una pared de un edificio en Toledo. Ésta frase da título o aparece en varias de sus obras de su último periodo.

En marzo de 1954, Nono conoció a Nuria Schönberg, hija del compositor Arnold Schönberg, en Hamburgo, donde asistió al estreno mundial, en versión de concierto, de la ópera Moisés y Aarón del compositor desparecido tres años antes. Nono se casó con Nuria en 1955. La pareja tuvo dos hijas, Silva, en 1959, y Serena Bastiana en 1964. Nono y su familia se instalaron en la isla de La Giudecca (Venecia) en 1956.

Se convirtió en un célebre compositor de música electrónica, y serial.

En la década del sesenta Luigi Nono dio clases en el Instituto Di Tella (Buenos Aires). Fue el único músico que apoyó la ópera Bomarzo (de Manuel Mujica Láinez y Alberto Ginastera), prohibida por pornográfica por la iglesia católica argentina y la dictadura del general Onganía.

De 1950 a 1960, Nono participó en los «Internationale Ferienkurse für Neue Musik» («Cursos Internacionales de Verano de Música Contemporánea») en Darmstadt, lo que le permitió conocer, entre otros, a Edgar Varèse y Karlheinz Stockhausen. Las obras de este primer período comprenden: Polifónica-Monódica-Rítmica (1950), Epitaffio per Federico García Lorca (1952-1953), La victoire de Guernica (1954) y Liebeslied (1954). En 1954, Nono participó en un simposio sobre las nuevas técnicas de composición en el Elektroakustische Experimentalstudio fundado por Scherchen en Gravesano. Fue rechazando progresivamente la aproximación analítica del serialismo para preservar la integridad del fenómeno musical: Incontri (1955), Il canto sospeso (1956) y Cori di Didone (1958), extraído de La terra promessa de Giuseppe Ungaretti.

Su conferencia Presenza storica nella musica d’oggi («Presencia histórica de la música de hoy»), impartida en Darmstadt en 1959, suscitó una violenta controversia y provocó su ruptura con el alemán Stockhausen.

De este modo, su música de vanguardia es expresión de una revuelta contra la cultura burguesa, provocada por su compromiso con el comunismo revolucionario. Como tal, evitó los géneros tradicionales de concierto y prefirió la ópera y la música electrónica. Nono recurre con frecuencia a textos políticos en sus obras. Así, Il canto sospeso se elaboró con cartas redactadas por víctimas de la opresión durante la Segunda Guerra Mundial y es una obra que le da renombre internacional. Esta connotación política se encuentra igualmente en La fabbrica illuminata (1964), para soprano, coro y cinta magnética, que denuncia las pésimas condiciones de los obreros en las fábricas de aquellos años, en particular de la “ItalSider” de Génova donde el propio Nono grabó en su banda magnética los ruidos de las máquinas que usó para la composición de la pieza; Ricorda cosa ti hanno fatto ad Auschwitz (1966), basado en testimonios de los supervivientes del homónimo campo de concentración; Non consumiamo Marx (1969), Ein Gespenst geht um in der Welt (1971), Siamo la gioventù del Vietnam (1973), y el famoso Al gran sole carico d’amore (En el brillante sol cargado de amor) (1975). Nono igualmente musicó textos poéticos de autores como Giuseppe Ungaretti, Cesare Pavese, Federico García Lorca, Pablo Neruda y Paul Éluard.

A partir de 1954, Nono se experimentó un creciente interés hacia la música electrónica. Sus primeras composiciones incluyeron un trabajo sobre banda magnética que data de los años 1960, con Omaggio a Vedova, para banda magnética en 1960 e Intolleranza 1960 para solistas, coro sobre banda magnética y orquesta en 1961. Escribirá más tarde entre otros Como una ola di fuerza y luz para soprano, piano, orquesta y magnetofón (1972), … sofferte onde serene… para piano y magnetofón (1976), y sobre todo Al gran sole carico d’amore.

Después de 1980, Nono trabajó en Experimentalstudio der Heinrich Strobel-Stiftung des Südwestfunks en Friburgo de Brisgovia donde se vuelve hacia la música electrónica en directo o aleatoria. Se interesó en particular por las propiedades del sonido en sí mismo. Este nuevo enfoque se tradujo en obras como Quando Stanno Morendo. Diario polacco n° 2 (1982), Guai ai gelidi mostri (1983), Omaggio a György Kurtág (1983) y con esplendor en su última ópera Prometeo. Tragedia dell’ascolto (1984).

En la imagen Nono en Venecia.

 

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HOY 8 DE MAYO DE 1825 MUERE SALIERI FAMOSO POR LA PELÍCULA “AMADEUS”.

Antonio Salieri (Legnago, 18 de agosto de 1750 – Viena, 8 de mayo de 1825) fue un compositor de música sacra, clásica y ópera, y director de orquesta italiano.

Pasó la mayor parte de su vida en la Corte Imperial de Viena, para la que fue compositor y maestro de capilla. Su filosofía artística se resume en el título de una de sus óperas, Primero la música y luego las palabras.

Músico de gran valía y dotado de gran talento se dedicó a la enseñanza. Salieri ha visto su nombre unido a una presunta rivalidad con Wolfgang Amadeus Mozart, rivalidad que contiene, además de acusaciones de plagio una más grave, que es la de haber causado la muerte del compositor de Salzburgo, episodio sin ninguna base histórica y que ha sido recreado primero en un poema por el poeta Aleksandr Pushkin, en el que se inspiró el compositor Nikolai Rimski-Kórsakov para hacer una ópera de nombre Mozart y Salieri; y posteriormente por el escritor británico Peter Shaffer para escribir la obra de teatro Amadeus, llevada a la gran pantalla con éxito de público y crítica por el director de cine Miloš Forman en una película homónima1 que recibió ocho premios Óscar, e interpretada en su papel por el actor estadounidense F. Murray Abraham, con el que obtuvo los premios Óscar y Globo de Oro.

Durante su carrera tuvo como alumnos a músicos noveles que lograron gran fama, como Beethoven, Schubert, Liszt, Czerny y Hummel. Entre sus pupilos estuvo incluso uno de los hijos del propio Mozart, lo que junta una vez más sus nombres y ayuda a desmentir la leyenda de la mala relación existente entre los dos compositores.

En la imagen Salieri en la película Amadeus.

¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡¡ABSOLUTA RECOMENDACIÓN DE LA PELÍCULA¡¡¡¡

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HOY 7 DE MAYO DE 1840 NACE EL GENIAL COMPOSITOR RUSO TCHAIKOVSKY.

Piotr Ilich Tchaikovsky o Chaikovski; Votkinsk, Rusia, 1840 – San Petersburgo, 1893 fue un compositor ruso. A pesar de ser contemporáneo estricto del Grupo de los Cinco, el estilo de Tchaikovsky no puede encasillarse dentro de los márgenes del nacionalismo imperante entonces en su Rusia natal. Su música, de carácter cosmopolita en lo que respecta a las influencias –entre ellas y en un lugar preponderante la del sinfonismo alemán–, aunque no carente de elementos rusos, es ante todo profundamente expresiva y personal, reveladora la personalidad del autor, compleja y atormentada.

Alumno de composición de Anton Rubinstein en San Petersburgo, los primeros pasos de Tchaikovsky en el mundo de la música no revelaron un especial talento ni para la interpretación ni para la creación. Sus primeras obras, como el poema sinfónico Fatum o la Sinfonía núm. 1 «Sueños de invierno», mostraban una personalidad poco definida.

Sólo tras la composición, ya en la década de 1870, de partituras como la Sinfonía núm. 2 «Pequeña Rusia» y, sobre todo, del célebre Concierto para piano y orquesta núm. 1, la música de Tchaikovsky empezó a adquirir un tono propio y característico, en ocasiones efectista y cada vez más dado a la melancolía.

Gracias al sostén económico de una rica viuda, Nadejda von Meck –a la que paradójicamente nunca llegaría a conocer–, Tchaikovsky pudo dedicar, desde finales de esa década, todo su tiempo a la composición. Fruto de esa dedicación exclusiva fueron algunas de sus obras más hermosas y originales, entre las que sobresalen sus ballets El lago de los cisnes, La bella durmiente y Cascanueces, sus óperas Evgeny Oneguin y La dama de picas, y las tres últimas de sus seis sinfonías.

La postrera de ellas, subtitulada «Patética», es especialmente reveladora de la compleja personalidad del músico y del drama íntimo que rodeó su existencia, atormentada por una homosexualidad reprimida y un constante y mórbido estado depresivo. El mismo año de su estreno, 1893, se declaró una epidemia de cólera; contagiado el compositor, la enfermedad puso fin a su existencia.

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HOY 6 DE MAYO DE 1833 NACE BRAHMS, UNO DE LOS MEJORES COMPOSITORES DE LA HISTORIA.

PASIÓN ROMÁNTICA DE UNA MÚSICA QUE A LA VEZ ES PROFUNDAMENTE INTELECTUAL.

Brahmas nació en Hamburgo en 1833 y murió en Viena en 1897. En una época en que la división entre partidarios y detractores de Richard Wagner llegó a su grado más alto, la figura de Brahms encarnó para muchos de sus contemporáneos el ideal de una música continuadora de la tradición clásica y de la primera generación romántica, opuesta a los excesos y la megalomanía wagneriana.

No por ello cabe considerarlo un músico conservador: como bien demostró en las primeras décadas del siglo XX un compositor como Arnold Schönberg, la obra del maestro de Hamburgo se situaba mucho más allá de la mera continuación de unos modelos y unas formas dados, para presentarse cargada de posibilidades de futuro. Su original concepción de la variación, por ejemplo, sería asimilada por los músicos de la Segunda Escuela de Viena.

Respetado en su tiempo como uno de los más grandes compositores y considerado a la misma altura que Bach y Beethoven, con los que forma las tres míticas «B» de la historia de la música, Brahms nació en el seno de una modesta familia en la que el padre se ganaba la vida tocando en tabernas y cervecerías. Músico precoz, el pequeño Johannes empezó pronto a acompañar a su progenitor al violín interpretando música de baile y las melodías entonces de moda.

Al mismo tiempo estudiaba teoría musical y piano, primero con Otto Cossel y más tarde con Eduard Marxsen, un gran profesor que supo ver en su joven alumno un talento excepcional, mucho antes de que éste escribiera su Opus 1. Marxsen le proporcionó una rigurosa formación técnica basada en los clásicos, inculcándole también la pasión por el trabajo disciplinado, algo que Brahms conservó toda su vida: a diferencia de algunos de sus contemporáneos que explotaron la idea del artista llevado del arrebato de la inspiración, del genio, el creador del Réquiem alemán dio siempre prioridad especial a la disciplina, el orden y la mesura.

Excelente pianista, se presentó en público el 21 de septiembre de 1848 en su ciudad natal con gran éxito, pese a que, más que la interpretación, su verdadera vocación era la composición. En el arduo camino que siguió hasta alcanzar tal meta, Marxsen constituyó un primer eslabón, pero el segundo y quizá más importante fue Robert Schumann. Tras una corta estancia en Weimar, ciudad en la que conoció a Franz Liszt, Brahms se trasladó a Düsseldorf, donde entabló contacto con Schumann, quien quedó sorprendido ante las innegables dotes del joven artista. La amistad entre ambos, así como entre el compositor y la esposa del autor de Manfred, se mantuvo durante toda su vida.

Siguiendo los pasos de Beethoven, en 1869 Brahms fijó su residencia en Viena, capital musical de Europa desde los tiempos de Mozart y Haydn. Allí se consolidó su personal estilo, que, desde unos iniciales planteamientos influidos por la lectura de los grandes de la literatura romántica alemana y cercanos a la estética de Schumann, derivó hacia un posicionamiento más clásico que buscaba sus modelos en la tradición de los clásicos vieneses y en la pureza y austeridad de Bach.

Brahms, que al principio de su carrera se había centrado casi exclusivamente en la producción pianística, abordó entonces las grandes formas instrumentales, como sinfonías, cuartetos y quintetos, obras todas ellas reveladoras de un profundo conocimiento de la construcción formal. A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos, y al igual que su rival Bruckner, fue partidario de la música abstracta y nunca abordó ni el poema sinfónico ni la ópera o el drama musical.

 

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